Sobre INXS

INXS ocupa un lugar singular en la Historia de la música y del rock. Formada en Perth, Australia, a finales de la década de 1970, la banda logró transformar una propuesta inicialmente vinculada al new wave y al rock alternativo en un sonido de alcance internacional, pero que además los identifica plenamente. Su trayectoria estuvo marcada por la combinación de guitarras, ritmos bailables, elementos de funk y soul, una producción cada vez más sofisticada y elegante. Y donde la presencia escénica de Michael Hutchence, uno de los vocalistas más carismáticos de su generación, marcaba tanto la trascendencia como la calidad de sus propuestas. Sin embargo, reducir INXS a la figura de Hutchence sería insuficiente: su éxito fue el resultado de una identidad colectiva en la que participaron compositores, instrumentistas, productores y colaboradores capaces de adaptar la música del grupo a las transformaciones de la industria y del público. La banda estuvo activa entre 1977 y 2012, pero vivió un giro irreversible y trascendental con la muerte en 1997 del líder y cantante Michael Hutchence. El legado de INXS se sostiene tanto en sus grandes éxitos como en la influencia que ejerció sobre el rock de estadios, el pop alternativo y la integración de estilos afroamericanos en la música popular de los años ochenta y noventa.

La banda se formó alrededor de los hermanos Andrew, Jon y Tim Farriss, junto con Kirk Pengilly, Garry Gary Beers y Michael Hutchence. En sus primeros años adoptó el nombre INXS, una denominación que sugería dinamismo, internacionalización y una vocación comercial poco habitual, no sólo para una banda procedente de Australia, sino de la música popular con marchamo anglosajón. Desde el comienzo, el grupo mostró interés por las posibilidades rítmicas del new wave, género que se caracterizaba por incorporar sintetizadores, estructuras más concisas y una actitud menos tradicional que la del rock clásico. Pero INXS nunca quedó completamente limitado a esa etiqueta. Su música también absorbió elementos del punk, el funk, el soul, el dance, y el rock. Esta mezcla permitió que la banda desarrollara una identidad reconocible sin depender de una fórmula única. Y consiguió hacerlos imprescindibles para públicos de lo más diverso que disfrutaban de su música que aparecía plenamente original y sin fronteras. 

El estilo de INXS se basa en el equilibrio entre energía rock y sensualidad rítmica. Las guitarras de los hermanos Farriss aportaban fuerza y textura, mientras que el saxofón de Kirk Pengilly añadía un rasgo distintivo, especialmente visible en las primeras etapas del grupo. El bajo de Garry Gary Beers y la batería proporcionaban una base sólida, a menudo orientada al baile. A diferencia de muchas bandas de rock que concedían prioridad absoluta a la guitarra, INXS construía canciones donde el ritmo tenía un papel central. El resultado era una música capaz de funcionar tanto en un club como en un gran estadio.

La voz de Michael Hutchence fue decisiva para esa identidad. Su interpretación no dependía únicamente de la potencia vocal, sino de la actitud, la insinuación y el control del fraseo. Hutchence cantaba con una combinación de seguridad, vulnerabilidad y magnetismo físico que reforzaba el componente sensual de las canciones. Investigando y buscando subyace de manera notable una vocación escénica de toda la banda sobresaliente. En el escenario, su movimiento corporal y su interacción con el público se convirtieron en parte esencial del espectáculo. En este sentido, podía conectar con la tradición de los grandes frontman del rock, pero también con la expresividad de intérpretes vinculados al funk y al soul. Su imagen contribuyó enormemente a la popularidad del grupo, aunque estaba respaldada por una banda musicalmente competente y por composiciones capaces de sostenerse más allá de la presencia del cantante.

Las influencias de INXS fueron variadas. Sin duda el rock británico de los años setenta y la energía del punk proporcionaron una base importante, pero el grupo también recibió la influencia de artistas como David Bowie, Roxy Music, Talking Heads, Prince y diversos intérpretes de soul y funk. De Bowie tomó, en parte, la capacidad de reinventar la imagen y combinar música popular con una estética sofisticada. De Talking Heads y otros grupos de la new wave incorporó una concepción más rítmica y experimental del rock. La influencia de Prince se percibe en la sensualidad, la importancia del groove y la disposición a cruzar las fronteras entre rock, pop y música negra. Estas referencias no fueron imitadas de manera mecánica; se reorganizaban sin jerarquías ni imposiciones hasta producir un sonido propio, accesible y a la vez estilísticamente amplio.

 

La temática de las letras de INXS gira con frecuencia alrededor del deseo, la atracción, la incertidumbre emocional, la vida nocturna y las relaciones humanas. Muchas canciones presentan a sus protagonistas en situaciones de tensión afectiva: desean acercarse a otra persona, pero al mismo tiempo enfrentan dudas, distancia o miedo al rechazo. Este interés por la seducción y la ambigüedad se encuentra en temas como “The One Thing”, “Original Sin”, “Need You Tonight” y “Devil Inside”. Las letras no suelen desarrollar narraciones complejas en el sentido literario tradicional; su fuerza reside más bien en la creación de atmósferas y estados emocionales. Frases breves, imágenes sugerentes y estribillos memorables permiten que la canción comunique una sensación inmediata.

Aun así, el repertorio de INXS no se limita a la temática amorosa. Algunas composiciones exploran la soledad, la presión social, la identidad y la pérdida. “Never Tear Us Apart”, por ejemplo, utiliza un lenguaje solemne y romántico para expresar una unión intensa, casi destinada a resistir cualquier obstáculo. “By My Side” presenta una vulnerabilidad más serena, mientras que “Beautiful Girl” aborda el dolor y la fragilidad desde una perspectiva íntima. En otras canciones aparece una mirada más crítica hacia la fama, el poder, la violencia o la superficialidad de la cultura contemporánea. La variedad temática permitió que la banda combinara la inmediatez del pop con momentos de mayor introspección.

El éxito de INXS se produjo de manera gradual. Sus primeros trabajos consolidaron una base de seguidores en Australia y demostraron que el grupo tenía una personalidad definida. Sin embargo, el reconocimiento internacional llegó con mayor fuerza durante la segunda mitad de los años ochenta, especialmente a partir de los álbumes “Listen Like Thieves” y “Kick”. Este último, publicado en 1987, representó el punto culminante de su carrera comercial. El disco contenía canciones como “Need You Tonight”, “Devil Inside”, “New Sensation” y “Never Tear Us Apart”, piezas que alcanzaron una amplia difusión en radio y televisión. La estrategia de promoción mediante videoclips fue fundamental. En la era de MTV, la imagen de Hutchence y la estética visual de la banda reforzaron el impacto de la música. Pero la fuerza musical de la propuesta de "Kick" era su principal valor y es considerado hoy en día una obra maestra y el mejor disco de música popular de 1987, y uno de los mejores de la Historia de la música.

 

“Kick” demostró que un grupo podía combinar credibilidad rockera con una producción orientada al gran público. Las canciones eran suficientemente directas para funcionar como éxitos pop, pero conservaban arreglos, texturas y una actitud que las diferenciaban de la música prefabricada. “Need You Tonight”, en particular, se apoyaba en un riff sencillo y memorable, un ritmo contenido y bailable, y una interpretación vocal cargada de insinuación. Su éxito evidenció que la intensidad no siempre depende de la velocidad o de la saturación sonora; también puede surgir del espacio, la repetición y el control.

Después de “Kick”, INXS mantuvo una presencia destacada con álbumes como “X”, “Welcome to Wherever You Are” y “Full Moon, Dirty Hearts”. La banda intentó evitar la repetición de su fórmula más exitosa y exploró nuevas sonoridades. Esta búsqueda implicó riesgos, ya que el público y la industria esperaban otro disco semejante a “Kick”. Aunque los lanzamientos posteriores no alcanzaron el mismo impacto comercial, confirmaron el interés del grupo por evolucionar. En lugar de permanecer completamente inmóvil, INXS incorporó elementos más atmosféricos, arreglos diferentes y una producción menos dependiente de los códigos del pop de estadios. 

La muerte de Michael Hutchence en 1997 alteró profundamente la historia de la banda. Su fallecimiento puso fin a una etapa decisiva y convirtió su figura en un símbolo de la cultura musical de los años ochenta y noventa. INXS continuó realizando actividades y presentaciones con otros vocalistas, pero la ausencia de Hutchence modificó inevitablemente la percepción pública del grupo. La voz, la personalidad y la presencia escénica del cantante estaban demasiado vinculadas a la identidad de la banda como para ser sustituidas sin consecuencias. Más que una simple reorganización profesional, se trataba de la pérdida de uno de los elementos centrales de su lenguaje artístico.

La influencia de INXS puede observarse en numerosos artistas y tendencias posteriores. Su mezcla de rock, pop, funk y música bailable anticipó una forma de crossover que se volvería habitual en décadas posteriores. Bandas y solistas interesados en el rock alternativo accesible, en el pop de guitarras o en la integración de ritmos bailables encontraron en INXS un modelo de equilibrio entre credibilidad y éxito masivo. También influyó su manera de presentar al vocalista masculino como una figura sensual y vulnerable, alejada del estereotipo exclusivamente agresivo del rock. Hutchence mostró que el carisma podía construirse mediante el movimiento, la insinuación y la expresividad emocional.

Además, INXS contribuyó a modificar la percepción internacional de la música australiana. Junto con otras bandas de su país, demostró que Australia podía producir artistas con alcance global y una identidad competitiva dentro del mercado anglosajón. La banda no fue un fenómeno aislado: formó parte de una generación que ayudó a situar a Australia en el mapa internacional del rock y del pop. Su éxito abrió posibilidades para grupos posteriores y fortaleció la presencia de músicos australianos en las listas y festivales internacionales.

En la actualidad, las canciones de INXS continúan presentes en plataformas digitales, emisoras de radio, películas, series y en campañas publicitarias. También aparecen en reediciones de clásicos y compilaciones de éxitos de los 80. Así son redescubiertas por nuevas generaciones, atraídas por la energía de sus ritmos y la intensidad de sus letras. Sin duda, todo el trabajo y la obra de INXS compone un valor que va más allá del recuerdo y de la monetización de la nostalgia. La calidad musical, compositiva e interpretativa de INXS es tal que la han convertido en una de las bandas más trascendentales de la Historia de la música.

 

 

Adolescencia, rebeldía y nostalgía: The Offspring

The Offspring es un grupo californiano de punk rock con casi 40 años de trayectoria. Surgido a mediados de los 80 de la amistad entre los fundadores Dexter Holland guitarra y voz y el bajista Greg K Kriesel. Pronto sumaron a Noodles, quien era dos años mayor (y podía comprar alcohol) y lo conocían porque era el conserje del instituto en el que estudiaban. Y a Ron Welty un batería prometedor que estaba un par de cursos por debajo. Tomaron el nombre The Offspring para la banda y en torno a la música punk encontraron la estética para expresar sus ideas y sentimientos. La huella del hard rock y el heavy metal es evidente en las primeras composiciones de la banda. Metallica como con tantas bandas desde los años 90, puede considerarse una influencia directa. Y también, por supuesto el punk americano viéndose una continuación entre la propuesta de The Offspring y la música de Bad Religion o Dead Kennedys.

Y por supuesto, tampoco puede obviarse la influencia del grunge y el sonido de Seattle. Aquel Smash! que The Offspring publicó en 1994 tiene una influencia notable del Come As You Are de Nirvana. Y todo el disco, y las propuestas que le siguieron, siguen temas y composiciones cercanas al legado de bandas como Soundgarden, Pearl Jam, Alice in Chains o Jane’s Addition.

 

En Smash!, The Offspring aborda principalmente temas relacionados con la alienación juvenil, la rebeldía y la crítica a las estructuras sociales opresivas. Canciones como Self Esteem expresan el conflicto interno y la inseguridad personal, mientras que otros temas abordan el descontento hacia las normas establecidas y la lucha por la identidad. El ritmo marcial de la batería deja espacio para que las guitarras suenen duras y rebeldes, y el sonido en conjunto de la canción teje un hilo directo al grounge más puro. En general, todo el disco se caracteriza por un enfoque crudo y directo que conecta con las inquietudes de la juventud de los años 90.

 

Con Americana, su siguiente disco (1998), la banda amplía su crítica para incluir una mirada satírica a la cultura estadounidense contemporánea. Temas como “Pretty Fly (for a White Guy)” ridiculizan la adopción superficial de modas y comportamientos ajenos, evidenciando una preocupación por la pérdida de autenticidad cultural. Al mismo tiempo, canciones como “The Kids Aren’t Alright” reflejan la desilusión y las dificultades sociales que enfrentan las generaciones jóvenes, abordando problemas como la drogadicción, la violencia y la pobreza. En general, la falta de oportunidades de todo tipo (vitales, laborales, culturales, estudiantiles, en las relaciones de pareja, en el consumo de drogas,..) son expresadas por The Offspring en este disco, que salió a la venta cuando sus miembros ya habían estrenado la treintena y habían vivido junto a su generación (parejas, familias, amigos) los primeros desastres que el neoliberalismo perpretaba en la juventud americana. 

 

Conspiracy of One mantiene esta tradición de crítica social, pero incorpora un tono más desafiante contra las autoridades y medios de comunicación, denunciando la manipulación y el control. Musicalmente, eso sí, sin dejar de sonar a The Offspring con los toques melódicos tan identificativos en su punk, ciertas composiciones suenan más simples y comerciales, aunque manteniendo la expresividad de la banda en cuanto a los temas que les afectaban e interesaban. Y es que en todo el álbum, se percibe una postura más combativa y consciente, reflejando el desencanto hacia las conspiraciones políticas y la falta de transparencia en el manejo del poder. De hecho, parte importante de la concepción, y fundamentalmente producción del disco, estuvo alterada por la polémica creada con el servidor de distribución de archivos P2P, Napster.

Abogando por la distribución libre de cultura, la banda The Offspring decidió que su siguiente trabajo sería distribuido por internet de forma gratuita. Además, comenzaron una activa campaña en medios de comunicación como la radio y la televisión en favor de Napster y de este formato de compartición de la música entre el público. Tal apoyo coincidió con el enfrentamiento que Naspter tenía en aquel momento con Metallica quienes les habían puesto una denuncia mil millonaria por distribuir archivos con copyright, es decir, con propiedad intelectual, de manera libre y gratuita. Aquella demanda buscaba marcar un antes y un después en la forma de distribuir música y productos culturales en la era de internet. Quería cerrar las puertas antes de que estas estuvieran demasiado abiertas, y aunque, la parte demandante ganó y Napster se vio obligado a retirar los contenidos de Metallica de sus servidores (y posteriormente de otros cientos de grupos y artistas que así se lo exigieron), lo cierto es que la música gracias a Internet y a estos servicios se había hecho más grande. Más universal.

 

 

Con el tiempo los autores entendieron que no pasaba nada porque su música se distribuyera por la red, que ganaban más dinero (mucho más dinero) si la música y su trabajo se daba a conocer. Y que se podrían dar más conciertos, vender más merchandising e incluso, elaborar versiones físicas más trabajadas y especiales para unos fans cada vez más incondicionales y dispuestos a atesorar momentos en torno a su música favorita.

Al acabar la gira de este disco el elenco fundador del grupo se resquebrajó y Ron Welty abandono la banda. Esto causó una conmoción en el resto del grupo, y durante varios años los aficionados vimos un período largo de inactividad que se rompió con la publicación de Rise and Fall, Rage and Grace a comienzos de 2008 y que llevo a la banda por una gira mundial durante los siguientes años (aquí los vi por primera vez en Madrid).

Después ha seguido generando material, grabando discos y llenando conciertos donde siguen imponiendo un ritmo rebelde y divertido donde no fallan sus clásicos ni tampoco las canciones nuevas, conjugándose así tanto el espíritu juvenil y adolescente, con la nostalgia de quienes ya vivimos esos años, hace ya un tiempo. Incluidos los propios miembros de la banda.

 

En cuanto a sus discos más recientes, The Offspring continúa explorando temas de relevancia social y personal, adaptándose a los contextos actuales. Abordan cuestiones como la polarización política, las crisis medioambientales y la salud mental, manteniendo ese espíritu crítico pero con una perspectiva que refleja las complejidades del siglo XXI. Su lírica sigue siendo una herramienta para cuestionar, provocar reflexión y conectar con diferentes generaciones.

La esencia de The Offspring radica en su conexión con la adolescencia. Sus letras, cargadas de inquietudes sobre la identidad, la frustración social y la búsqueda de pertenencia, resuenan con los jóvenes en una etapa crítica de autodescubrimiento. Canciones como “Self Esteem” y “Come Out and Play” reflejan conflictos universales de inseguridad y rebelión, convirtiéndose en himnos para un público que se enfrenta a las complejas emociones propias de esa etapa vital. La banda logra equilibrar mensajes explícitos con melodías pegajosas, facilitando una identificación inmediata con su audiencia adolescente.

Por otro lado, y con el paso de los años y experiencias, la nostalgia desempeña un papel fundamental en la perdurabilidad de The Offspring. Para muchos, su música está inextricablemente vinculada a recuerdos personales y culturales de los años noventa, una década marcada por cambios sociales y tecnológicos significativos. El sonido característico de la banda —una mezcla de punk rápido, melodías pop y letras provocativas— funciona como un puente hacia tiempos pasados, evocando sensaciones de juventud y libertad. Esta carga nostálgica no solo revive momentos personales, sino que también promueve la conservación de un legado cultural que define una era.

  

En mi caso, The Offspring supusieron un chute de aire fresco y abrió las puertas a que me interesara por la música de los grupos nuevos de finales de los 90 y los primeros 2000. Recuerdo que con mis 13 y 14 años estaba todo el día pegado a Heroes, a Extremoduro y a mi añorado casette del And Justice For All de Metallica. Tenía 3 o 4 cassettes más perpretados por mi con grabaciones de la radio comercial y de la sintonía del pirata. En ninguno de ellos acababa de incorporarse el grunge de Nirvana, que lo admito nunca me llegó como para sentirme identificado. Y por lo que fuera, algún conjuro, o alguna alarma de mi subconsciente que ya me alertaba de lo intrascendente del glam, mi bagaje musical se reducía a muy poquitas cosas.

Pero con The Offspring la cosa cambió. Self Esteem me sonaba auténtica y genuina. No tenía ni puñetera idea de lo que decía la letra pero sabía que estaba dedicada a mi y a tantas y tantos como yo. La composición, los riffs, el ritmo de la batería y el desgarro de la voz del cantante Dexter Holland me estaba interpelando a mi. Nos estaba diciendo que no estamos solos. Que esa rabia, esa incertidumbre y esa melancolía tienen causas y que nos fuéramos rebelando y no acostumbrando al papel de perdedores.

Tenía que adquirir ese disco como fuera y aprovechando que en mi casa se compró una cadena musical adquirí el cd ahorrando de mi escuálida paga 4 o 5 meses... Y cómo sonaba todo el disco. Y suena. Me habían ganado para su causa. Y todavía hoy me pongo de vez en cuando a The Offspring, el Smash! o el Americana que también adquirí. Y ahora que tengo algunas canas y la cabeza más despejada de cabello, veo que es parte de mi. De la construcción personal que empezaba en aquella época. De como soy. De que la rebeldía sigue vigente. De que muchas de las cosas que la banda exponía siguen ahí doliendo e hiriendo. De que más allá de la nostalgia o echar de menos tiempos a priori, más sencillos, menos complicados, la raíz del asunto está en que nada se ha hecho por remediar lo que con menos de 20 años ya nos frustraba, oprimía y aterraba. En cualquier contexto y en cualquier lugar.

Si en los 90 su música capturaba la energía y rebeldía propias de la adolescencia, hoy en día es capaz de evocar una profunda sensación de nostalgia para quienes crecieron en los años noventa y continúa vigente para nuevas generaciones. Su música, ya sea en directo o el lanzamiento de sus discos siguen siendo un punto de encuentro intergeneracional donde cabe la rebeldía juvenil, la protesta social y la perspectiva que aporta la madurez personal.

No se pierdan a The Offspring. Descúbranlos si se da el caso. Recuérdeles si es lo que hay que hacer.

 

Hail To the Hordes para el Día Internacional (europeo) de la Música

 

 Hail to the Hordes

Build me a nation
A fountain of life
And let us be the voice for what words cannot express
The failed, the outcasts
The sagacious and wise
Will form a bond, impeccable art
Crafted through eons of time

If night will fall
Black shadows are taking our sight
We carry each other through the darkest moments in life
Stronger than hate, stronger than fear, stronger than all

We are one
Hail to the hordes
We are one
Hail to the hordes

Build me a nation
Let's make a stand
Live our lives to the full, come let's walk hand in hand
Let us remember what it once meant
To be no Untertan, no God and no government

If night will fall
Black shadows are taking our sight
We carry each other through the darkest moments in life
Stronger than hate, stronger than fear, stronger than all

We are one
Hail to the hordes
We are one
Hail to the hordes

If night will fall
Black shadows are taking our sight
We carry each other through the darkest moments in life
Stronger than hate, stronger than fear, stronger than all

We are one
Hail to the hordes
We are one
Hail to the hordes

Hail
Hail
Hail
Hail

Escrita por: Miland Petrozza, Juergen Reil, KREATOR, del Álbum: Gods of Violence, publicado en 2017

Kreator es la banda alemana de trash metal liderada por Mike Petrozza. Es considerada junto a Sodom, Tankard y Destruction una de las Cuatro grandes del Trash Metal Alemán, y sin duda, es la que más trascedencia ha conseguido. Su sonido es fácilmente identificable, donde juega a favor la peculiar y agresiva voz de Petrozza, así como composiciones muy cargadas, dotadas de intensidad y en la que la batería del inconmensurable Jürgen 'Ventor' Reil, aporta un dinamismo atroz a toda su música.

El estilo de Kreator se caracteriza por una fusión explosiva de riffs afilados, batería rápida y vocales feroces que encarnan el espíritu del thrash metal. Desde sus inicios, la banda se destacó por un sonido que combinaba la rapidez del hardcore punk con la técnica del metal, creando un enfoque distintivo que los diferenciaba de sus contemporáneos. Álbumes como "Pleasure to Kill" (1986) y "Extreme Aggression" (1989) son ejemplos notables de esta fórmula, donde la violencia sonora se encuentra alineada con letras que abordan temas de guerra, política y la oscura condición humana.

Con el paso del tiempo, Kreator ha experimentado transformaciones que han enriquecido su música sin abandonar sus raíces. En "Coma of Souls" (1990), la banda incorporó elementos melódicos y estructurales más complejos, expandiendo su paleta sonora. Esta evolución se consolidó aún más en álbumes posteriores como "Renewal" (1992), donde la banda exploró nuevas direcciones, fusionando influencias industriales y cambiando ligeramente su enfoque lírico hacia la introspección y la crítica social.

Por lo tanto, sería un error clasificar a Kreator simplemente dentro del ámbito del thrash metal. Su discografía también refleja una capacidad para reinventarse y adaptarse a las tendencias emergentes del metal, aunque siempre con un toque distintivo que evita la pérdida de su identidad. Álbumes como "Violent Revolution" (2001) y "Enemy of God" (2005) marcan un regreso al sonido más crudo de sus primeros trabajos, al mismo tiempo que introducen elementos más modernos en su producción, mostrando una madurez musical que equilibra la nostalgia con la innovación. Discos que han marcado la tendencia y madurez de la banda y que han servido para citarnos a todos ante cada nueva propuesta de la banda, ya sea nuevos discos, videos o directos.

Por ello, su anterior album Gods of Violence (2017) fue todo un fenómeno y que unió a crítica especializada y a público para proclamarlo el mejor disco del año de Heavy Metal.

En él se incluye Hail to the Hordes canción que nos llama a todos a formar una horda común. Una marea de todos aquellos a quien el sistema nos ha marginado para armarnos a través de la pertenencia a la música y el heavy metal para poder luchar y sobrepasarlos. Stronger than fear, stronger than all -Más fuertes que el miedo, más fuertes que todos-; Hail to the hordes -Salvemos las hordas-; We are one -Somos uno-. Nos interpela a toda la platea del Heavy. Nos muestra el camino a través de la identidad de una canción que es reconocible a Kreator, a su música y a nuestro género.

Todo creado por una atmósfera plena alimentada por una secuencia de las guitarras donde el martilleo de la batería resuena a plenitud de pericia y técnica. Se genera así una base rítmica que ya nos induce al éxtasis del headbanger mientras comienza a destilarse la letra que nos enciende y une.

La catarsis es plena, y pese hay quien pueda pensar que los temas de batallas y guerras están muy trillados en el metal, en realidad se trata de una reflexión y un llamamiento colectivo porque las luchas todavía continúan y porque todavía hay tiempo de resolverlas a nuestro favor.

Sólo así se entiende el énfasis con que se introducen los coros y es vitoreada en vivo. Mientras se entrelazan los riffs más melódicos con fases más duras no ceja ni la agresividad de la melodía, ni la intensidad del doble bombo, caja y timbales, y la voz de Petrozza alcanza tal grado de ferocidad que redondea la canción. Una muestra del talento y dominio de Kreator, desde la fase de composición, hasta su ejecución.

Sin duda, y con Hail to the Hordes lo cumplen a la perfección, Kreator es una banda con un fuerte compromiso con el género, al que es fiel, y más que eso, se convierte en uno de los grupos más intensos en hacer identificable el Heavy Metal, y particularmente el trash. Sus letras incisivas, con temáticas sobre la violencia, la guerra, los colapsos y la lucha contra las injusticias y un compromiso por la reflexión social y política. No faltan temas donde se pone el énfasis en las discriminaciones y en los que se explora la oscuridad del alma humana.

Por todo ello os deseo un feliz día de la música, y Hail to the Hordes!!!!! 

 

Renegades of Funk: Cover de Áfrika Bambaataa y homenaje a la cultura afroamericana de RATM

 

Renegades of Funk es una canción original escrita y compuesta por Afrika Bambaataa, Arthur Baker, John Miller & John Robie y grabada por Afrika Bambaataa & Soulsonic Force en el año 1983. La canción funciona como música disco donde el ritmo marcado por una percusión muy insistente se encaja en la melodía propuesta por la música electrónica. La letra tiene un claro componente político en la lucha por los derechos civiles de la población afroamericana en Estados Unidos, destacando al mismo tiempo tanto la situación de desigualdad política, económica y social, como la efervescencia cultural y musical de la población negra. Procura poner el contexto reivindicativo del rap político y social en el bagaje artístico de los estilos e influencias que la música negra había generado.

Afrika Bambaataa fue un personaje trascendental en la Historia de la música del siglo XX y XXI, y su legado es todavía vigente. Nacido como Lance Taylor en el Bronx de Nueva York en 1957 su infancia y juventud no fueron los propios de alguien crecido en un barrio denigrado y que funciona como un gheto. La influencia del activismo político de su madre y su tío caló profundamente en Lance, así como la mitomanía de su madre que atesoraba una profusa colección discográfica. Pero estos mimbres no evitaron que el joven acabará dentro de las pandillas (gangs) del barrio que luchaban por controlar áreas de influencia para la venta y consumo de drogas.

Aún con todo la vida le reservaba una oportunidad que aprovechó cuando ganó un concurso de ensayo en el instituto que le premió con un viaje a Africa que cambió radicalmente su vida. Lance ya había adoptado el personaje de Afrika Bambaataa y comenzado a hacerse un nombre en algunos garitos del barrio pinchando música disco e interesándose por un nuevo estilo que despuntaba a finales de los 70: el rap y la cultura hip-hop.

Pero aquel viaje a África también mudó la vida social de Afrika. Dejo atrás las guerras y la violencia entre bandas para iniciar programas de colaboración y hermanamiento entre hombres negros. Inspirando por las luchas zulús del siglo XIX y por la lucha contra el Apartheid en Sudáfrica se centró en construir la paz entre bandas. Y para ello no dudo en meter la música como elemento de unión, dentro de un ámbito cultural mucho más amplio, donde otras expresiones como el pujante por entonces arte del graffiti.

 

A Afrika Bambaataa se le reconoce como el padre del término hip-hop, al poner nombre a todo el movimiento cultural que aglutinaba el graffiti como expresión cultural de la clase baja negra, la música de los Djs, la poesía de los nuevos cantantes de rap y el baile. Hip haría referencia a “lo nuevo”, y Hop a un brinco o una fuga. Sus mezclas y su intención de renovar el funk con nuevos toques eléctricos le hizo abrirse a lo que se hacía al otro lado del Atlántico. Su primer éxito fue reinterpretar un tema de los alemanes Kraftwerk para crear lo que se conocería como Electro Funk. Por desgracia Áfrika Bambaataa fallecía el pasado mes de marzo a los 69 años.

Con Renegades of Funk, Afrika Bambaataa ya era un dj reconocido, pleno de virtuosismo e innovador. Y generó un sencillo que homenajeaba las luchas por la igualdad y el bagaje musical de la población afroamericana. En el año 2000 la banda Rage Against the Machine la tomó para incluirla en su álbum Renegades, el cuarto disco y a la postre último de la banda que era una selección de versiones de grupos y cantantes rap (MC5, EMPD o Cypress Hill) y de rock (Rolling Stones, Bob Dylan, The Stooges, Springsteen, Minor Threat). Incluso se incluyó una versión de un tema de los imprescindibles Devo.

El disco fue lanzado ya con el abandono de Zack de la Rocha de la banda ya confirmado. Poco tiempo después el resto de integrantes de RATM, Tom Morello, Brad Wilk y Tim Commerfold se unirían a Chris Cornell para montar el súper grupo Audioslave.

Renegades of Funk fue el single promocional del disco. Se compone con una serie de imágenes que van desde los protagonistas de los movimientos por los Derechos Civiles a destacar a varios artistas de la música negra. Los insertos con grabaciones clásicas añaden más dinamismo aún, y componen un collage visual que expone la progresión de la música y la cultura afroamericana de los últimos 50 años (de 1950 al año 2000 en el que se publicó el video).

Para añadir un poco de contexto unas breves reseñas biográficas* de los personajes históricos que el videoclip del cover de Rage Against the Machine homenajea:

* No valoró a todos los artistas del hip-hop que aparecen. Solo algunos que si conozco y me parecen más destacados.

• Toro sentado (Sitting Bull), jefe supremo de la nación Sioux y quien organizó la resistencia ante el acoso del ejército estadounidense para erradicar a las tribus indígenas y tomar sus ancestrales territorios. El primer homenajeado en el video es un indígena, con lo cual se expone con acierto, el acoso y el racismo que históricamente ha movido al hombre blanco en Estados Unidos.

• Thomas Paine. Uno de los padres fundadores de Estados Unidos de América. Promotor del liberalismo y el humanismo abogó por la emancipación de todos los esclavos africanos y la abolición de la esclavitud, posición ésta, que lo sacó de los círculos de poder una vez conseguida la independencia.

• Martin Luther King. Líder del movimiento de los derechos civiles desde 1955 hasta su asesinato en 1968. Activista por la igualdad, contra la segregación y contra la Guerra de Vietnam. Fue Premio Nobel de la Paz en 1964.

• Malcom X. Defensor de los derechos humanos y de las libertades civiles de los afroamericanos puso el acento en los crímenes que los blancos cometían cada día contra el espíritu negro. También fue asesinado, en principio debido a sus controversias dentro de la religión islámica que había adoptado tras su paso por la cárcel.

• Muhammad Ali. Boxeador y activista. Nacido Cassius Clay cambió su nombre al convertirse al islam. Célebre por sus combates que le llevaron a ser considerado el mejor boxeador de todos los tiempos, y también, por su activismo en contra de la guerra y a favor de las luchas sociales y humanitarias.

• Paul Robeson. Una de las personalidades más fascinantes y quizás más desconocidas del video. Fue un célebre atleta en varias disciplinas, además de actor, cantante, escritor y abogado. Y por encima de todo ello un hombre comprometido en la lucha por los derechos civiles y la paz. Declarado comunista fue perseguido y encausado por el MacCartismo. Su declaración ante el Comité de Actividades Anti-norteamericanas es un ejemplo de valentía, coherencia y dignidad:
  “Porque mi padre fue un esclavo, y mi gente murió para construir este país, y yo me voy a quedar aquí, y voy a ser tan parte de este país como usted. Y ningún fascista me obligará a irme. ¿Está claro? Apoyo la paz con la Unión Soviética, apoyo la paz con China, y no apoyo la paz ni la amistad con el fascista Franco, y no apoyo la paz con los nazis alemanes. Yo apoyo la paz con la gente decente.”

• Richard Pryor. Actor y comediante, fue también un denunciante de la situación social en Estados Unidos y en África. Sus problemas con las drogas han tapado su activismo por los derechos civiles, incluido dentro del ejército de Estados Unidos, y por la mejora de la vida en África.

• Gil Scott-Heron. Fue un poeta y músico estadounidense que se hizo conocido en los 60 y 70 por sus recitales poéticos cantados, en los que exalzaba la vida de los activistas afroamericanos y denunciaba la situación del pueblo afroamericano. Es el autor del famoso poema The Revolution Will Not Be Televised.

• The Last Poets. Grupo de poetas y músicos surgidos a finales de los 60 comprometidos con la liberación de los afroamericanos y la lucha por los derechos civiles. Uno de los más grandes ejemplos de la contracultura estadounidense.

• A continuación aparecen notables ejemplos de la trascendencia de la música negra en el panorama artístico de Estados Unidos: James Brown, Curtis Manfield, Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band, Sly and The Family Stone, George Clinton, Parliament Funkadelic, Dj Cool, Grandmaster Flash, el propio Áfrika Bambaataa y Kurtis Blow.

• Nat Turner. Esclavo afroamericano de increíble inteligencia que se rebeló hacia 1831 en favor del abolicionismo. Fue capturado y ahorcado. Recogió el testigo de la célebre Rebelión de Gabriel, por Gabriel Prosser un esclavo afrodescendiente que en agosto de 1800 lidera una revuelta popular para tomar Richmond, la capital de Virginia, y procurar un decreto de liberalización de los esclavos. Traicionado por varios de sus compañeros, al final es apresado y ejecutado.

• Huey Newton. Líder y fundador de los Panteras Negras. Organización política marxista-leninista e internacionalista focalizada en la superación de las opresiones que sufría la población negra en Estados Unidos y también en África o en el Caribe. Su primera actividad fue organizar patrullas que vigilasen el comportamiento de las policías en su trato con las poblaciones afroamericanas.

• Mumia Abu-Jamal. Activista y miembro de los Panteras Negras, es considerado un prisionero político por un episodio de violencia policial que no está claro.

• Leonard Peltier. También es considerado un prisionero político, acusado de terrorismo sin practicamente pruebas para frenar su activismo en su caso, por los derechos de los pueblos indígenas norteamericanos.

• Ernesto Che Guevara. Revolucionario comunista y guerrillero el argentino es otra de las figuras más fascinantes del siglo XX. Su compromiso con la revolución solo es equiparable a su convencimiento en la emancipación de los pueblos. Asesinado por la CIA en las selvas de Bolivia su imagen icónica y su leyenda, su valentía y ejemplo son inmortales.

• Stokeley Carmichael. Nacido en Trinidad y Tobago en el 41, y por lo tanto, súbdito inglés fue un revolucionario afrodescendiente convencido por la independencia de los pueblos oprimidos por el Imperialismo. Se involucró en el movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos y en el movimiento pan-africanista, para dar dignidad y futuro a todos los pueblos africanos en el mundo.

• Marcus Garvey. Presidente y fundador del movimiento Universal por la Mejora del Hombre Negro (UNIA). Garvey nació en Jamaica en 1887 y desde joven se convirtió en un militante por la independencia de su lugar de nacimiento. Su objetivo siempre fue “Unir a toda la gente de origen africano del mundo en un sólo cuerpo para establecer un país y un gobierno absolutamente propios". Se auto-proclamó “el primer fascista”, y en esencia, su ideario expresado entre 1910 y 1920 respondía a muchas de las proclamas que después el nacionalsocialismo puso en marcha en Alemania.

• Angela Davis. Filósofa, feminista, anti-racista, marxista y activista. Proveniente de una familia activista por los derechos civiles en su Alabama natal. Se formó académicamente y descubrió el socialismo y el feminismo de las que se convirtió en bandera y símbolo con su pelo a lo afro, su juventud y su tez negra. Una de las vidas también más espléndidas del mundo contemporáneo, que además de su ejemplo y dignidad nos ha dejado para la posteridad una obra culminante: Mujeres, Raza y Clase (1981).

• Rigoberta Menchú. Líder indígena del grupo de ascendencia maya Quiché en Guatemala. Su vida ha sido dedicada a reivindicar la dignidad y el futuro de los pueblos amerindios, en especial de las mujeres, y del patrimonio cultural y el entorno natural de su pueblo ancestral. Premio Nobel de la Paz en 1992 sigue proclamando el derecho de las personas indígenas a cultivar y conservar sus tierras.

• César Chávez. Sindicalista campesino y activista por los derechos civiles. De origen mexicano nació en los Estados Unidos pronto comprendió en sus propias carnes la desigualdad racial y de clase, y con un fuerte compromiso basado en el cristianismo y en defensa de los derechos de los trabajadores organizó la lucha campesina por mejores salarios y condiciones de vida y de trabajo. En los últimos años ha sido objeto de denuncias e investigaciones por agresiones sexuales.

• Susan. B. Anthony. Derecho de la mujer al voto en Estados Unidos. El 18 de agosto se ratifica la 19ª Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos que supone la aprobación del sufragio femenino. Sólo lo hacía efectivo para mujeres de raza blanca. Afroamericanas, asiáticas, hispanas y nativas quedaban excluidas. También destaco a Margarita Fuller, periodista y activista por los derechos de la mujer. Frente al igualitarismo, creía más en la emancipación de las mujeres y en la necesidad de su formación. Consideraba Estados Unidos, el lugar perfecto para que las mujeres se empoderasen y regenerasen el mundo de los hombres.

• Rosa Parks. Mujer afrodescendiente trabajadora. La detención de Rosa Parks, una mujer afroamericana que se negó a dejar su asiento a un hombre blanco en un autobús de la ciudad del estado de Alabama dio lugar a Revueltas raciales en Montgomery. La sucesión de disturbios y la lucha legal terminó con la declaración de inconstitucionalidad a las leyes que permitían la segregación racial en los medios de transporte.

• De aquí al final se suceden las imágenes de artistas hip hop como Run DC, Il Cool J, la estación de radio KDAY, aparecen las icónicas imágenes de los atletas afroamericanos Tommie Smith y John Carlos, con el puño enguantado y levantado mientras suena el himno de los Estados Unidos en los JJOO de México 1968. Una de las muestras más fuertes del Poder Negro. Beastie Boys, Salt-n-Pepa-, o Public Enemy (célebres por sus letras en contra del racismo y la xenofobia en las instituciones de Estados Unidos y en contra de la violencia policial).

Además aparecen imágenes de los Disturbios de Detroit. Episodio más virulento de los disturbios raciales del largo y cálido verano del 67. Enfrentamientos entre la policía y la población de raza negra en los que subyacía la brutalidad policial y la falta de recursos y oportunidades de la población negra. También con las imágenes del asesinato de Rodney King y la violencia policial contra la población negra.

El video se cierra con un montaje de escenas de baile de distintas comunidades afrodescendientes en los años 70 y 80 en los que se mostraba la pasión para la música y el baile que la comunidad afroamericana atesora y que remarcan las últimas estrofas de la canción:

Say jam sucker
Say jam sucker
Say groove sucker
Say groove sucker
Say dance sucker
Say dance sucker
Now move sucker

Now move sucker
We're the renegades of funk

Hermes Alogo: El negro de Los Suaves

 

La Historia del rock en España está plagada de canciones, bandas y de personajes icónicos que han marcado el género, la música, la cultura y la propia Historia del país. El particular contexto nacional, a caballo entre la dictadura y la democracia, añade una patina propia a aquellos años en los que nacía una forma de expresión distinta que aunaba la rebeldía y el espíritu juvenil en un momento histórico de crisis económica y social (los años 60 y 70) que mostraba las fisuras entre generaciones, y los conflictos de todo tipo. Por eso la imagen de una banda de melenudos, con gafas de sol, cuatro mástiles de guitarra al frente (más el del bajo). Y uno de esos guitarristas, concretamente el solista, un negro. Si, un negro.

Hablo de Los Suaves y el icónico video del “Dolores se llamaba Lola” del año 86, ejecutado en playback, en la radio televisión gallega.

 

Los Suaves ya eran una banda con cierto recorrido a inicios de los 80. Surgidos en Orense en el seno de la familia Domínguez, donde los hermanos Yosi, Charlie y Javier montaron una banda influenciados por el hard rock británico de bandas como Deep Purple, Uriah Heep o Thin Lizzy. Pero además, Los Suaves constituían su propio sonido añadiendo ese deje pesimista y a la vez reivindicativo, tan propio y reconocible, y que componía en el caso del panorama español, un adelanto del punk rock que ya se hacía constante en otros países.

Un momento clave fue el concierto como teloneros de Los Ramones en A Coruña en 1981. Por lo que se cuenta, el nível ofrecido fue excelso y las críticas alabando su labor les abrieron las puertas para tocar más directos y para grabar dos discos, del que el Frankestein (1984) resultará clave. Para entonces ya formaba parte de Los Suaves como miembro de pleno derecho, nuestro protagonista.

El negro de Los Suaves, Hermes Alogo tiene una de esas historias vitales más fascinantes y sorprendentes que uno puede encontrar por ahí. Sin duda alguna, es una historia carne de película o de serie, y desde hace muchísimos años tenía intención de escribir sobre Hermes, su vida y su legado.

Desde el punto de vista artístico, Hermes Alogo aportó a Los Suaves un estilo de guitarra que fusionaba elementos del hard rock más puro, con matices de blues y funk, géneros con raíces profundas en la cultura afroamericana. Esta mezcla enriqueció el repertorio de la banda, otorgando mayor dinamismo y variedad a sus composiciones. Su habilidad para improvisar y crear solos memorables hizo que muchas canciones emblemáticas del grupo ganaran en emotividad y fuerza, consolidando así su reputación como uno de los guitarristas más destacados del panorama nacional.

Su vida, sorprendente en cada momento, tuvo momentos duros, tristes y finalmente trágicos. Pero esa imagen tan poderosa, hilvanando solos de guitarra, con su inseparable y eterna Yamaha SG30, en una grabación de la televisión galega del himno Dolores se llamaba Lola, siempre ha destacado y compuesto uno de los momentos más brillantes de la Historia del hard rock y el Heavy Metal en España. 

El hecho es que la falta de tiempo me ha impedido atacar las fuentes y buscar información de manera consistente e intensiva para construir un texto digno y veraz sobre la figura de Hermes. Y por supuesto, hacerlo de una manera, profesional. La intención ha estado ahí, como también la dificultad para poder hacerlo dado el silencio total sobre su vida tras su paso por Los Suaves, del que ya salió a principios de 1990. Por suerte, ha aparecido un justísimo y necesario documental en youtube sobre la vida y el legado que Hermes Alogo dejó tras salir de Los Suaves.

Como no tengo intención de fusilarlo me parece de justicia colgarlo aquí y animaros a visionarlo y disfrutarlo. Su productor y realizador, Héctor, su promotor, lo merece, por el trabajo de documentación y entrevistas que propone, y ya sólo por el hecho de acordarse y querer homenajear al gran músico y a la gran persona que también fue Hermes Alogo. Disfrutadlo.

 

 

Inciso para dejar claro que si me refiero al "Negro de Los Suaves" No lo hago con ningún toque ni racista, ni xenófobo, sino para remarcar que su vida fue brillante, con tristeza y dolor, como todas las vidas, y también con alegría y dignidad. Evidentemente la imagen de Hermes tocando con esa pose, técnica y talento choca por el momento histórico, por aquella España, por la propia banda, e incluso el estilo musical, aunque sin duda, le da ese carácter mítico e inolvidable. Hermes Alogo, sin duda, por lo que se ha visto marcó a todas las personas con las que convivió.