Renegades of Funk: Cover de Áfrika Bambaataa y homenaje a la cultura afroamericana de RATM

Renegades of Funk es una canción original escrita y compuesta por Afrika Bambaataa, Arthur Baker, John Miller & John Robie y grabada por Afrika Bambaataa & Soulsonic Force en el año 1983. La canción funciona como música disco donde el ritmo marcado por una percusión muy insistente se encaja en la melodía propuesta por la música electrónica. La letra tiene un claro componente político en la lucha por los derechos civiles de la población afroamericana en Estados Unidos, destacando al mismo tiempo tanto la situación de desigualdad política, económica y social, como la efervescencia cultural y musical de la población negra. Procura poner el contexto reivindicativo del rap político y social en el bagaje artístico de los estilos e influencias que la música negra había generado.

Afrika Bambaataa fue un personaje trascendental en la Historia de la música del siglo XX y XXI, y su legado es todavía vigente. Nacido como Lance Taylor en el Bronx de Nueva York en 1957 su infancia y juventud no fueron los propios de alguien crecido en un barrio denigrado y que funciona como un gheto. La influencia del activismo político de su madre y su tío caló profundamente en Lance, así como la mitomanía de su madre que atesoraba una profusa colección discográfica. Pero estos mimbres no evitaron que el joven acabará dentro de las pandillas (gangs) del barrio que luchaban por controlar áreas de influencia para la venta y consumo de drogas.

Aún con todo la vida le reservaba una oportunidad que aprovechó cuando ganó un concurso de ensayo en el instituto que le premió con un viaje a Africa que cambió radicalmente su vida. Lance ya había adoptado el personaje de Afrika Bambaataa y comenzado a hacerse un nombre en algunos garitos del barrio pinchando música disco e interesándose por un nuevo estilo que despuntaba a finales de los 70: el rap y la cultura hip-hop.

Pero aquel viaje a África también mudó la vida social de Afrika. Dejo atrás las guerras y la violencia entre bandas para iniciar programas de colaboración y hermanamiento entre hombres negros. Inspirando por las luchas zulús del siglo XIX y por la lucha contra el Apartheid en Sudáfrica se centró en construir la paz entre bandas. Y para ello no dudo en meter la música como elemento de unión, dentro de un ámbito cultural mucho más amplio, donde otras expresiones como el pujante por entonces arte del graffiti.

 

A Afrika Bambaataa se le reconoce como el padre del término hip-hop, al poner nombre a todo el movimiento cultural que aglutinaba el graffiti como expresión cultural de la clase baja negra, la música de los Djs, la poesía de los nuevos cantantes de rap y el baile. Hip haría referencia a “lo nuevo”, y Hop a un brinco o una fuga. Sus mezclas y su intención de renovar el funk con nuevos toques eléctricos le hizo abrirse a lo que se hacía al otro lado del Atlántico. Su primer éxito fue reinterpretar un tema de los alemanes Kraftwerk para crear lo que se conocería como Electro Funk. Por desgracia Áfrika Bambaataa fallecía el pasado mes de marzo a los 69 años.

Con Renegades of Funk, Afrika Bambaataa ya era un dj reconocido, pleno de virtuosismo e innovador. Y generó un sencillo que homenajeaba las luchas por la igualdad y el bagaje musical de la población afroamericana. En el año 2000 la banda Rage Against the Machine la tomó para incluirla en su álbum Renegades, el cuarto disco y a la postre último de la banda que era una selección de versiones de grupos y cantantes rap (MC5, EMPD o Cypress Hill) y de rock (Rolling Stones, Bob Dylan, The Stooges, Springsteen, Minor Threat). Incluso se incluyó una versión de un tema de los imprescindibles Devo.

El disco fue lanzado ya con el abandono de Zack de la Rocha de la banda ya confirmado. Poco tiempo después el resto de integrantes de RATM, Tom Morello, Brad Wilk y Tim Commerfold se unirían a Chris Cornell para montar el súper grupo Audioslave.

Renegades of Funk fue el single promocional del disco. Se compone con una serie de imágenes que van desde los protagonistas de los movimientos por los Derechos Civiles a destacar a varios artistas de la música negra. Los insertos con grabaciones clásicas añaden más dinamismo aún, y componen un collage visual que expone la progresión de la música y la cultura afroamericana de los últimos 50 años (de 1950 al año 2000 en el que se publicó el video).

Para añadir un poco de contexto unas breves reseñas biográficas* de los personajes históricos que el videoclip del cover de Rage Against the Machine homenajea:

* No valoró a todos los artistas del hip-hop que aparecen. Solo algunos que si conozco y me parecen más destacados.

• Toro sentado (Sitting Bull), jefe supremo de la nación Sioux y quien organizó la resistencia ante el acoso del ejército estadounidense para erradicar a las tribus indígenas y tomar sus ancestrales territorios. El primer homenajeado en el video es un indígena, con lo cual se expone con acierto, el acoso y el racismo que históricamente ha movido al hombre blanco en Estados Unidos.

• Thomas Paine. Uno de los padres fundadores de Estados Unidos de América. Promotor del liberalismo y el humanismo abogó por la emancipación de todos los esclavos africanos y la abolición de la esclavitud, posición ésta, que lo sacó de los círculos de poder una vez conseguida la independencia.

• Martin Luther King. Líder del movimiento de los derechos civiles desde 1955 hasta su asesinato en 1968. Activista por la igualdad, contra la segregación y contra la Guerra de Vietnam. Fue Premio Nobel de la Paz en 1964.

• Malcom X. Defensor de los derechos humanos y de las libertades civiles de los afroamericanos puso el acento en los crímenes que los blancos cometían cada día contra el espíritu negro. También fue asesinado, en principio debido a sus controversias dentro de la religión islámica que había adoptado tras su paso por la cárcel.

• Muhammad Ali. Boxeador y activista. Nacido Cassius Clay cambió su nombre al convertirse al islam. Célebre por sus combates que le llevaron a ser considerado el mejor boxeador de todos los tiempos, y también, por su activismo en contra de la guerra y a favor de las luchas sociales y humanitarias.

• Paul Robeson. Una de las personalidades más fascinantes y quizás más desconocidas del video. Fue un célebre atleta en varias disciplinas, además de actor, cantante, escritor y abogado. Y por encima de todo ello un hombre comprometido en la lucha por los derechos civiles y la paz. Declarado comunista fue perseguido y encausado por el MacCartismo. Su declaración ante el Comité de Actividades Anti-norteamericanas es un ejemplo de valentía, coherencia y dignidad:
  “Porque mi padre fue un esclavo, y mi gente murió para construir este país, y yo me voy a quedar aquí, y voy a ser tan parte de este país como usted. Y ningún fascista me obligará a irme. ¿Está claro? Apoyo la paz con la Unión Soviética, apoyo la paz con China, y no apoyo la paz ni la amistad con el fascista Franco, y no apoyo la paz con los nazis alemanes. Yo apoyo la paz con la gente decente.”

• Richard Pryor. Actor y comediante, fue también un denunciante de la situación social en Estados Unidos y en África. Sus problemas con las drogas han tapado su activismo por los derechos civiles, incluido dentro del ejército de Estados Unidos, y por la mejora de la vida en África.

• Gil Scott-Heron. Fue un poeta y músico estadounidense que se hizo conocido en los 60 y 70 por sus recitales poéticos cantados, en los que exalzaba la vida de los activistas afroamericanos y denunciaba la situación del pueblo afroamericano. Es el autor del famoso poema The Revolution Will Not Be Televised.

• The Last Poets. Grupo de poetas y músicos surgidos a finales de los 60 comprometidos con la liberación de los afroamericanos y la lucha por los derechos civiles. Uno de los más grandes ejemplos de la contracultura estadounidense.

• A continuación aparecen notables ejemplos de la trascendencia de la música negra en el panorama artístico de Estados Unidos: James Brown, Curtis Manfield, Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band, Sly and The Family Stone, George Clinton, Parliament Funkadelic, Dj Cool, Grandmaster Flash, el propio Áfrika Bambaataa y Kurtis Blow.

• Nat Turner. Esclavo afroamericano de increíble inteligencia que se rebeló hacia 1831 en favor del abolicionismo. Fue capturado y ahorcado. Recogió el testigo de la célebre Rebelión de Gabriel, por Gabriel Prosser un esclavo afrodescendiente que en agosto de 1800 lidera una revuelta popular para tomar Richmond, la capital de Virginia, y procurar un decreto de liberalización de los esclavos. Traicionado por varios de sus compañeros, al final es apresado y ejecutado.

• Huey Newton. Líder y fundador de los Panteras Negras. Organización política marxista-leninista e internacionalista focalizada en la superación de las opresiones que sufría la población negra en Estados Unidos y también en África o en el Caribe. Su primera actividad fue organizar patrullas que vigilasen el comportamiento de las policías en su trato con las poblaciones afroamericanas.

• Mumia Abu-Jamal. Activista y miembro de los Panteras Negras, es considerado un prisionero político por un episodio de violencia policial que no está claro.

• Leonard Peltier. También es considerado un prisionero político, acusado de terrorismo sin practicamente pruebas para frenar su activismo en su caso, por los derechos de los pueblos indígenas norteamericanos.

• Ernesto Che Guevara. Revolucionario comunista y guerrillero el argentino es otra de las figuras más fascinantes del siglo XX. Su compromiso con la revolución solo es equiparable a su convencimiento en la emancipación de los pueblos. Asesinado por la CIA en las selvas de Bolivia su imagen icónica y su leyenda, su valentía y ejemplo son inmortales.

• Stokeley Carmichael. Nacido en Trinidad y Tobago en el 41, y por lo tanto, súbdito inglés fue un revolucionario afrodescendiente convencido por la independencia de los pueblos oprimidos por el Imperialismo. Se involucró en el movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos y en el movimiento pan-africanista, para dar dignidad y futuro a todos los pueblos africanos en el mundo.

• Marcus Garvey. Presidente y fundador del movimiento Universal por la Mejora del Hombre Negro (UNIA). Garvey nació en Jamaica en 1887 y desde joven se convirtió en un militante por la independencia de su lugar de nacimiento. Su objetivo siempre fue “Unir a toda la gente de origen africano del mundo en un sólo cuerpo para establecer un país y un gobierno absolutamente propios". Se auto-proclamó “el primer fascista”, y en esencia, su ideario expresado entre 1910 y 1920 respondía a muchas de las proclamas que después el nacionalsocialismo puso en marcha en Alemania.

• Angela Davis. Filósofa, feminista, anti-racista, marxista y activista. Proveniente de una familia activista por los derechos civiles en su Alabama natal. Se formó académicamente y descubrió el socialismo y el feminismo de las que se convirtió en bandera y símbolo con su pelo a lo afro, su juventud y su tez negra. Una de las vidas también más espléndidas del mundo contemporáneo, que además de su ejemplo y dignidad nos ha dejado para la posteridad una obra culminante: Mujeres, Raza y Clase (1981).

• Rigoberta Menchú. Líder indígena del grupo de ascendencia maya Quiché en Guatemala. Su vida ha sido dedicada a reivindicar la dignidad y el futuro de los pueblos amerindios, en especial de las mujeres, y del patrimonio cultural y el entorno natural de su pueblo ancestral. Premio Nobel de la Paz en 1992 sigue proclamando el derecho de las personas indígenas a cultivar y conservar sus tierras.

• César Chávez. Sindicalista campesino y activista por los derechos civiles. De origen mexicano nació en los Estados Unidos pronto comprendió en sus propias carnes la desigualdad racial y de clase, y con un fuerte compromiso basado en el cristianismo y en defensa de los derechos de los trabajadores organizó la lucha campesina por mejores salarios y condiciones de vida y de trabajo. En los últimos años ha sido objeto de denuncias e investigaciones por agresiones sexuales.

• Susan. B. Anthony. Derecho de la mujer al voto en Estados Unidos. El 18 de agosto se ratifica la 19ª Enmienda a la Constitución de los Estados Unidos que supone la aprobación del sufragio femenino. Sólo lo hacía efectivo para mujeres de raza blanca. Afroamericanas, asiáticas, hispanas y nativas quedaban excluidas. También destaco a Margarita Fuller, periodista y activista por los derechos de la mujer. Frente al igualitarismo, creía más en la emancipación de las mujeres y en la necesidad de su formación. Consideraba Estados Unidos, el lugar perfecto para que las mujeres se empoderasen y regenerasen el mundo de los hombres.

• Rosa Parks. Mujer afrodescendiente trabajadora. La detención de Rosa Parks, una mujer afroamericana que se negó a dejar su asiento a un hombre blanco en un autobús de la ciudad del estado de Alabama dio lugar a Revueltas raciales en Montgomery. La sucesión de disturbios y la lucha legal terminó con la declaración de inconstitucionalidad a las leyes que permitían la segregación racial en los medios de transporte.

• De aquí al final se suceden las imágenes de artistas hip hop como Run DC, Il Cool J, la estación de radio KDAY, aparecen las icónicas imágenes de los atletas afroamericanos Tommie Smith y John Carlos, con el puño enguantado y levantado mientras suena el himno de los Estados Unidos en los JJOO de México 1968. Una de las muestras más fuertes del Poder Negro. Beastie Boys, Salt-n-Pepa-, o Public Enemy (célebres por sus letras en contra del racismo y la xenofobia en las instituciones de Estados Unidos y en contra de la violencia policial).

Además aparecen imágenes de los Disturbios de Detroit. Episodio más virulento de los disturbios raciales del largo y cálido verano del 67. Enfrentamientos entre la policía y la población de raza negra en los que subyacía la brutalidad policial y la falta de recursos y oportunidades de la población negra. También con las imágenes del asesinato de Rodney King y la violencia policial contra la población negra.

El video se cierra con un montaje de escenas de baile de distintas comunidades afrodescendientes en los años 70 y 80 en los que se mostraba la pasión para la música y el baile que la comunidad afroamericana atesora y que remarcan las últimas estrofas de la canción:

Say jam sucker
Say jam sucker
Say groove sucker
Say groove sucker
Say dance sucker
Say dance sucker
Now move sucker

Now move sucker
We're the renegades of funk

Hermes Alogo: El negro de Los Suaves

 

La Historia del rock en España está plagada de canciones, bandas y de personajes icónicos que han marcado el género, la música, la cultura y la propia Historia del país. El particular contexto nacional, a caballo entre la dictadura y la democracia, añade una patina propia a aquellos años en los que nacía una forma de expresión distinta que aunaba la rebeldía y el espíritu juvenil en un momento histórico de crisis económica y social (los años 60 y 70) que mostraba las fisuras entre generaciones, y los conflictos de todo tipo. Por eso la imagen de una banda de melenudos, con gafas de sol, cuatro mástiles de guitarra al frente (más el del bajo). Y uno de esos guitarristas, concretamente el solista, un negro. Si, un negro.

Hablo de Los Suaves y el icónico video del “Dolores se llamaba Lola” del año 86, ejecutado en playback, en la radio televisión gallega.

 

Los Suaves ya eran una banda con cierto recorrido a inicios de los 80. Surgidos en Orense en el seno de la familia Domínguez, donde los hermanos Yosi, Charlie y Javier montaron una banda influenciados por el hard rock británico de bandas como Deep Purple, Uriah Heep o Thin Lizzy. Pero además, Los Suaves constituían su propio sonido añadiendo ese deje pesimista y a la vez reivindicativo, tan propio y reconocible, y que componía en el caso del panorama español, un adelanto del punk rock que ya se hacía constante en otros países.

Un momento clave fue el concierto como teloneros de Los Ramones en A Coruña en 1981. Por lo que se cuenta, el nível ofrecido fue excelso y las críticas alabando su labor les abrieron las puertas para tocar más directos y para grabar dos discos, del que el Frankestein (1984) resultará clave. Para entonces ya formaba parte de Los Suaves como miembro de pleno derecho, nuestro protagonista.

El negro de Los Suaves, Hermes Alogo tiene una de esas historias vitales más fascinantes y sorprendentes que uno puede encontrar por ahí. Sin duda alguna, es una historia carne de película o de serie, y desde hace muchísimos años tenía intención de escribir sobre Hermes, su vida y su legado.

Desde el punto de vista artístico, Hermes Alogo aportó a Los Suaves un estilo de guitarra que fusionaba elementos del hard rock más puro, con matices de blues y funk, géneros con raíces profundas en la cultura afroamericana. Esta mezcla enriqueció el repertorio de la banda, otorgando mayor dinamismo y variedad a sus composiciones. Su habilidad para improvisar y crear solos memorables hizo que muchas canciones emblemáticas del grupo ganaran en emotividad y fuerza, consolidando así su reputación como uno de los guitarristas más destacados del panorama nacional.

Su vida, sorprendente en cada momento, tuvo momentos duros, tristes y finalmente trágicos. Pero esa imagen tan poderosa, hilvanando solos de guitarra, con su inseparable y eterna Yamaha SG30, en una grabación de la televisión galega del himno Dolores se llamaba Lola, siempre ha destacado y compuesto uno de los momentos más brillantes de la Historia del hard rock y el Heavy Metal en España. 

El hecho es que la falta de tiempo me ha impedido atacar las fuentes y buscar información de manera consistente e intensiva para construir un texto digno y veraz sobre la figura de Hermes. Y por supuesto, hacerlo de una manera, profesional. La intención ha estado ahí, como también la dificultad para poder hacerlo dado el silencio total sobre su vida tras su paso por Los Suaves, del que ya salió a principios de 1990. Por suerte, ha aparecido un justísimo y necesario documental en youtube sobre la vida y el legado que Hermes Alogo dejó tras salir de Los Suaves.

Como no tengo intención de fusilarlo me parece de justicia colgarlo aquí y animaros a visionarlo y disfrutarlo. Su productor y realizador, Héctor, su promotor, lo merece, por el trabajo de documentación y entrevistas que propone, y ya sólo por el hecho de acordarse y querer homenajear al gran músico y a la gran persona que también fue Hermes Alogo. Disfrutadlo.

 

 

Inciso para dejar claro que si me refiero al "Negro de Los Suaves" No lo hago con ningún toque ni racista, ni xenófobo, sino para remarcar que su vida fue brillante, con tristeza y dolor, como todas las vidas, y también con alegría y dignidad. Evidentemente la imagen de Hermes tocando con esa pose, técnica y talento choca por el momento histórico, por aquella España, por la propia banda, e incluso el estilo musical, aunque sin duda, le da ese carácter mítico e inolvidable. Hermes Alogo, sin duda, por lo que se ha visto marcó a todas las personas con las que convivió.

A Boy Named Sue

 

La música siempre ha sido un medio poderoso para expresar emociones, contar historias y explorar temas sociales. Uno de los ejemplos más emblemáticos de esta triple capacidad se encuentra en "A Boy Named Sue", una canción escrita por el poeta y cantautor Shel Silverstein e interpretada magistralmente por Johnny Cash. La canción fue lanzada en 1969, dentro del emblemático recital que Cash dio en la prisión estatal de San Quintin (California), donde la estrenó. El concierto, no sólo era un regalo y oportunidad para los reclusos, sino que fue televisado en directo para todos Estados Unidos y Reino Unido, en un hecho que visto hoy en día, nos parecería alucinante. A Boy Named Sue no solo se destaca por su narrativa intrigante y humorística, sino que también ofrece un contexto cultural que merece ser examinado en profundidad.

La letra de "A Boy Named Sue" cuenta la historia de un hombre que, desde su infancia, ha llevado el peso de un nombre inusual; el nombre de una chica. Esto le provoca una serie de eventos que moldean su carácter y su vida. El protagonista relata cómo su padre, al nombrarlo Sue, lo dejó en una desventaja social, enfrentándose al desprecio y la burla de sus compañeros, ya fueran chicos o chicas. Esta situación genera en él un profundo resentimiento hacia su padre, quien se alejó de la familia, dejando al joven a luchar por su identidad en un mundo hostil.

Desde una perspectiva literaria, la canción se estructura como una narrativa en primera persona con un enfoque claro en el desarrollo del personaje. Cash interpreta, con la maestría y el talento que tenía, al narrador y, el oyente puede percibir las crudas emociones que atraviesan su vida; desde la frustración de ser objeto de burlas hasta la ira acumulada por la ausencia paterna. Johnny Cash tomó la decisión de interpretar la canción en un tono cómico a pesar del trasfondo serio resalta su habilidad para mezclar humor y tragedia, una característica distintiva de su estilo musical.

El contexto sociocultural de finales de los años 60 es fundamental para entender la resonancia de la canción. Esta era estuvo marcada por movimientos de contracultura, cuestionamientos de normas sociales, gracias en buena medida al crecimiento del feminismo, lo que llevó a una redefinición de la masculinidad. En un tiempo donde la imagen del hombre fuerte y autosuficiente predominaba, y era frecuentemente loada y exhibida por el Western y otras acepciones culturales, la vulnerabilidad del protagonista de "A Boy Named Sue" desafía este estereotipo. Hacerlo a través de la música country tan ligada a ese espíritu de hombre fuerte, insensible y rudo una muestra más del atrevimiento de Cash. La lucha del personaje con su identidad y su eventual confrontación con su padre simboliza un viaje de autodescubrimiento y reivindicación personal, que puede ser visto como un reflejo de las tensiones sociales de aquella época.

La confrontación entre el narrador y su padre, donde finalmente se encuentran, es la parte central de la trama. Este momento no solo ofrece una resolución a la historia, sino que también provoca una reflexión sobre los lazos familiares y el impacto de las decisiones parentales en la vida de los hijos. La violencia en su encuentro puede interpretarse como una metáfora de cómo las heridas emocionales pueden llevar a la agresión física, subrayando el ciclo de dolor y sufrimiento que puede perpetuarse entre generaciones.

Por lo tanto, "A Boy Named Sue" es mucho más que una simple balada; es una obra que encapsula una experiencia humana universal: la búsqueda de identidad y la confrontación con el pasado. Johnny Cash logra, a través de su interpretación apasionada y auténtica, conectar con la audiencia que ha sentido el peso del nombre que llevan o las expectativas impuestas por la sociedad. Y de este modo hacerla reflexionar. Así, la canción gana atemporalidad, mantiene vigencia y sigue siendo relevante, recordándonos la importancia de aceptar nuestras diferencias y entender la complejidad de nuestras relaciones familiares.

En conclusión, "A Boy Named Sue" es un testimonio del ingenio lírico de Shel Silverstein y la maestría interpretativa de Johnny Cash. La mítica voz grave del de Arkansas, con su juego en tonos y énfasis le concede una riqueza que la convierte en imperecedera. Su análisis revela no solo una historia conmovedora, sino también un espejo de las dinámicas sociales y culturales de su tiempo, resonando con aquellos que buscan encontrar su propio lugar en el mundo a pesar de los desafíos que puedan enfrentar.

Y otro discazo para acabar el 2025: Borderland, Amorphis

 

 Al igual que ayer aprovecho este rato para escribir y recomendar el último disco de los finlandeses Amorphis, titulado Borderland y aparecido en octubre del año recién terminado. Sin ninguna duda se trata de un trabajo pleno de una banda en estado de gracia que auna en este momento de sus carreras una madurez y una seriedad en quiénes son y qué quieren transmitir que se muestra con cada una de sus propuestas. Si los anteriores trabajos Circle (2013), o Under The Red Cloud (2015), marcaban una línea con un sonido propio que se perfeccionaba en el incomensurable Halo (2022), con este último trabajo se colocan por derecho propio en el podio de las bandas a tener en cuenta si o sí.

 

Parte fundamental de esta identidad que representa Amorphis es su orgullo y respeto por su folclore natal, el finlandés, y el hecho de darlo a conocer fuera de sus fronteras con el Heavy Metal como excusa. Leyendas, mitos, pasajes y paisajes de la naturaleza más pura se destilan por los versos de cada composición. Toda esta mitología, recogida en el Kalevala (tradición oral compilada por el historiador Elias Lönnrot a finales del siglo XIX de fuentes folclóricas finesas) ha compuesto desde el primer momento el manantial desde que surge el universo sonoro de la banda.

 

Estas letras mitológicas se ven acompañadas, y más que eso, exponenciadas con unas composiciones plenas de virtuosismo, que han ido evolucionando desde un hosco y noventero death metal, a propuestas mucho más melódicas, convirtiéndose así en referentes indiscutibles del Death Metal Melódico. Y lo han conseguido sin repetirse, ni volverse monótonos sino abriendo el género a ritmos y referencias folk y toques progresivos que hacen cada disco único, sin que suene a trillado o aburrido. Todo un mérito.

Con Borderland lo consiguen una vez más, rebajando un par de tonos a su última propuesta (Halo en 2022). Los riffs y la base rítmica se conjugan para generar una atmósfera mística en plena naturaleza finesa, donde la voz, dota de dureza o de suavidad a gusto de la virtuosa garganta de Tomi Joutsen, demostrándonos una vez más la increíble versatilidad del intérprete y como cada vez se muestra más cómodo enseñando su voz natural y a la vez, aplicando potencia con uno de los guturales más señeros y de mayor calidad del momento.

El primer corte es The Circle y nada más transcurrir unos pocos segundos queda claro que estamos escuchando a Amorphis. Enseguida nos han trasladado a su ambiente. Han facturado nuestros pesares y a cambio nos han dado visado para dejarnos llevar y disfrutar de su propuesta. Los teclados han entrado con naturalidad engolando el tema para que Tomi Joutsen cante solemne y relajado, dé paso a un magnífico sólo de la guitarra de Esa Holopainen, que le devuelve la iniciativa esta vez al gutural mientras la batería aparece en estado de gracia. En general una canción brillante y una puerta abierta que deja entrever la intención de la banda y de toda la producción: trascender, hacernos disfrutar y llamarnos para el directo.

Bones es el siguiente corte y segundo single del disco. Suena a Amorphis sin duda. La guitarra es brutal sobre un ritmo denso y cargado donde la voz en gutural nos lleva hasta un estribillo cantado natural que entra sin romper ni un ápice la armonía del conjunto. Se vuelve en la siguiente estrofa al gutural, mientras se enlazan dos solos de guitarra para acabar coreando sobre la pesada melodía inicial. Puro headbanger que pone el listón alto y nos deja con ganas de más.

Con Dancing Shadow vemos al Amorphis más juguetón. Toda la canción se desenvuelve con naturalidad mezclando el típico sonido de la banda con combinaciones más propias de power metal, incluso del de los años 80, que con los registros a los que nos tienen más que acostumbrados. La bateria toma un ritmo marcial al que responden las incesantes guitarras, mientras los teclados de la mano del gran Santeri Kallio deja unos pasajes progresivos y bellos que se engarzan de manera asombrosa. Llevamos 3 canciones y Amorphis amenaza con dejar un discazo para la posteridad.

 

 

Fog to Fog sigue y nos devuelven al sonido Amorphis más clásico con teclados y guitarras entremezclándose mientras Jutsen muestra su versatilidad bucal. El bis con en gutural con el que reafirma cada frase del estribillo acelera la composición y si ya tenías ganas de verlos, acabas la canción buscando cuál es el próximo concierto que te queda más cercano.

La siguiente canción es la más especial del disco. The Strange cumple con su titulo y se presenta diferente a lo que habíamos disfrutado de Amorphis todos estos años. No es que la canción sea irreconocible o parezca de otra banda. No. De hecho la grandeza de estos finlandeses es que son más que capaces de experimentar y jugar con los temas de sus letras y con las expectativas de sus oyentes. Y es que es muy meritorio que en poco menos de 4 minutos sean capaces de plantear un tema progresivo y folk, para darle vértigo hasta el death y por último quedarse con su icónico Death Metal Melódico. He re-escuchado 3 veces la canción para ecsribir este párrafo y el tema me sigue pareciendo espectacular.

De aquí al final del disco, Amorphis demuestra su capacidad marcando canciones plenamente reconocibles a lo que son en este momento y sin olvidar su bagaje. Pero a la vez demostrando su tremenda capacidad para explorar nuevas vías y que estas casen a la perfección con su identidad.

La siguiente canción es Tempest que se presenta como la más pausada del disco, prácticamente una balada pero donde todos los integrantes toman partido para que la hagamos reconocible. Con Light And Shadow, que fue la presentación del disco, nos presentan una obra donde teclados y guitarras se conjuran para meter ritmo y enganchar al oyente. Para que empiece a mover los pies, marcar el ritmo con el cuello y la cabeza, dejarse llevar al air-instrument y al final saltar y corear el estribillo. Es una canción pegadiza donde se pueden paladear todos los sonidos y etapas de Amorphis. Se ve en una sola canción su evolución y nos había dejado con ganas de más, que como digo, el disco es capaz en conjunto de mantenerlas.

 

 

Con The Lautern volvemos al Amorphis primigenio con una melodía densa y oscura, embriagados por la pericia de los músicos y donde somos interpelados con unos guturales tremendos, de una calidad incomensurable. Una canción que espero se vuelva recurrente en el repertorio en directo de la banda porque paladearla tiene que ser un placer.

Bordeland y Despair son las dos últimas canciones y en ellas seguimos viendo al Amorphis más atemporal, más primigenio. En ambas se transita por compases progresivos y folk para ir ganando intensidad y junto a las voces guturales se consigue acabar toda la obra en lo alto.

En general, con Borderland vemos a un Amorphis en estado de gracia. Una banda madura y con las ideas muy claras. Acompañados de una producción que ha sabido darles de todo lo que necesitan para que pudieran expresarse con cada canción y con el disco en su conjunto. Y ganando de esta manera un ramillete frondoso y estimulante para hacer aún más grandes sus conciertos.

Y para rematar este disco, aunque no en la edición que he adquirido y probablemente se adjunte en las siguientes, recientemente Amorphis ha publicado una nueva canción, Crowned in Crimson, que forma parte de la banda sonora de una ambiciosa película finlandesa basada en las leyendas de Kalevala y que se titula Son of the Revenge. En esta última obra Amorphis no sólo mantiene el nivel de Borderland, sino que lo aúpa varios escalones más gracias a unos arreglos sinfónicos que dan una atmósfera épica al tema para que entre redondo y sin fisuras como parte de la promoción de la película. Para culminarla como se merece la canción sirve como introducción del talento que atesora Lida Joutsen, hija, lógicamente de Tomi Joutsen. Ambos llevan el peso de la canción en un diálogo donde se nos descubre a una nueva voz que sin duda tiene capacidad para hacer su propio camino. Una exquisitez que dejo aquí abajo. 

 

 

"Ascension", obra culmen de Paradise Lost

No hay duda de que una de las bandas más influyentes y trascendentales del Heavy Metal son los británicos Paradise Lost. Rastrear sus casi 40 años de carrera es viajar en el tiempo al inicio de los subgéneros como el Doom y el Metal Gótico. La lista de bandas que se han visto influenciadas, cuando no inspiradas, por las propuestas de Paradise Lost es un auténtico quién es quién del panorama actual del Heavy. Desde Dark Tranquillity e In Flames y toda la línea del death melódico de Escandinavia. El Folk metal y bandas como Tiamat, Tristania, Theatre of Tragedy que van desde lugares más oscuros y pesadas, hasta propuestas más luminosas como las de Epica, Within Temptation o Nightwish. Y esto es un brevísimo resumen de un listado casi infinito de grupos y músicos que tiene a Paradise Lost como referentes y visionarios.

La banda liderada desde sus orígenes por Nick Holmes como cantante y Greg MacKintosh como guitarra principal han sabido no quedarse en el éxito de lo que ha funcionando, sino que según han progresado y cambiado a nivel personal, su música lo ha hecho, evolucionando, redefiniendo los límites y fronteras entre subgéneros. Disfrazando su melancolía y una nostalgia por sus raíces, con la intensidad y la energía de letras y composiciones pesadas y poderosas que han compuesto un sonido propio, reconocible y para muchos indispensable.

 

Y en las últimas semanas de 2025 Paradise Lost ha vuelto a marcar un hito en su extensa carrera con la publicación de su último disco, Ascension, una obra grabada con una producción brillante que lega una atmósfera propia, y como digo totalmente reconocible, que atesora una música plena que con cada escucha trasciende el mero disfrute sonoro para añadirle algo más, para sumarle mucha emoción y trascendencia.

Como parte indisoluble de la propia obra que muestra el "alma" del disco es la propia portada del mismo La obra pictórica Court of Death (ca. 1870 - 1902) del pintor George Frederick Watts, pintor academicista, cuya obra enmarcada en el período victoriano posee un fuerte simbolismo. 

 

Los primeros cortes Serpent On The Cross, Tyrants Serenade y Salvation nos presentan el sonido más puro de Paradise Lost y sirven como presentación de que estamos ante una obra pletórica y conmovedora. Particularmente la última que rompe lo esperado al aparecer un diálogo entre voces que añaden fluidez a la música y envolviéndonos totalmente en la propuesta del disco.

 

 

Desde una letra que supone una crítica abierta a la guerra, la siguiente canción, Silence like the Grave presenta una melodía cargada y densa donde los pasajes de los teclados otorgan un aire mágico, casi celestial y mitológico a la voz de Holmes que me suena casi como un profeta.

Las transiciones entre canciones ganan mucha importancia como muestra el siguiente corte, Lay a Wreath upon the World, donde desde un amplio pasaje acústico suave y delicado nos lleva al terreno más puro y desgarrador Paradise Lost.

Diluvium es la siguiente canción y nos presenta una composición más veloz y agresiva que acaba con el sonido gótico más puro y reconocible. Una vez más, las canciones aparecen y se transforman sin dejar de sonar a Paradise Lost y dándonos toques y recuerdos a sus anteriores obras como sobretodo, con esta parte intermedia del disco, al majestuoso e icónico Draconian Times (1995).

Savage Days, Sirens y Deceivers nos llevan a la parte final del disco sin perder un ápice de la intensidad, mientras remarcan el sonido en la fase actual de la banda. La atmósfera oscura y cargada se mantiene presente, no se aligera y al tiempo que se canta por tiempos impetuosos e impredecibles no deja de mantener la dureza que le es propia y atemporal.

Quizás el objetivo de estas canciones anteriores era ponernos en alerta ante The Precipice, décimo corte, y que es sin duda el tema más arriesgado y experimental del disco. No es que se alejen de su sonido habitual. Más aún lo reafirman ejecutando un tema que se plantea como una balada con la inclusión de arreglos al teclado clásicos, pero donde el ritmo va creciendo donde tanto el dueto bucal en gutural y clásico, como las intervenciones de la guitarra principal, en especial el “solo final” nos colocan ante ese precipicio. Nos hacen visualizar el final, la deriva de las cosas y su misma trascendencia. Sin duda la canción que más me gusta, y que creo que se volverá importante en sus futuros setlists.

Los últimos cortes This Stark Town y A life Unknow se quedan algo planos, y aunque no desmerecen al resto del disco si parecen en general más “suaves” y carentes de la crudeza del principio, o del tema anterior.

De esta manera escuchando Ascension viajamos junto a Paradise Lost a través del legado de la banda donde la ambientación épica, oscura, la melancolía y la trascendencia resuenan con esos riffs poderosos de Mackintosh y esa voz magnética de Holmes. Sin duda un disco imprescindible.

 

Hasta siempre Robe Iniesta

Ha fallecido Robe Iniesta. Ayer Jorge Martínez de Ilegales. Maldito 2025.

Extremoduro forma parte de la banda sonora de mi adolescencia y la de millones de milenials españoles. No se puede entender la música, el rock y la poesía en este país sin contar con el legado del placentino.

"Hoy día 10 de diciembre de 2025, nos toca escribir la nota de prensa más triste de nuestra vida. Hoy despedimos al último gran filósofo, al último gran humanista y literato contemporáneo de lengua hispana, y al cantante cuyas melodías han conseguido estremecer a generaciones y generaciones", aparece escrito en la nota que ha anunciado su fallecimiento en su web.

Un icono, una leyenda, Robe Iniesta ha destilado una vida de plena libertad tanto personal como artística. Llevado hacia adelante, o hacia atrás, según quisiera, por su talento para la escritura y la composición. Una sensibilidad rayana a la naturaleza de la que ha sido y siempre será su principal altavoz. Con coherencia imponiéndose a filias y a fobias, a gustos y a mercadotecnias, porque si, porque es su estilo, su vida y su manera de hacer las cosas.

Como vocalista y líder de Extremoduro ha dado calidad a música de este país desde los 80 hasta ayer mismo. Con más de 30 años de carrera, con sus necesarias para su salud y bienestar interrupciones, con colaboraciones esporádicas pero de calidad inabordable dando voz a la contracultura que se plasmaron en la Poesía básica (2021) con Extrechinato y tú, y en un puñado más de recitales y conciertos. Con una carrera en solitario en los últimos años donde pusiste música a tus inquietudes y las compartiste con nosotros.

En general, una obra plena, siempre redonda, abierta a la revisitación y el inconformismo. A la acidez de letras agrestres que daban filosofía a la vida tangible y de las pequeñas cosas. Un rock rompedor, transgresor, personalísimo donde la crítica a este mundo, que ya preconizabas fuente inacabable de dolor y des-humanización, era ingrediente ineludible. El pimentón de la Vera que ha inspirado a muchos que han venido detrás.

En los 90s ya hablabas de esa España Vaciada y Olvidada, de una Extrema y dura rota, robada y envilecida. De un mundo rural que se moría entre dominicales perdigonazos. De las agresiones al medio natural por el favor del dinero y de la situación de la mujer pisoteada en su dignidad. Ya adelantabas los monstruos de hoy en día con poesía, acidez y sabiduría.

Decidí, De Acero, Papel Secante, Historias Prohibidas, Salir, Standby, Buscando una luna, Bulerias de la sangre caliente, Estado policial… hasta ese Volando Solo que nos hablaba ya del día de hoy.

 

No sé dónde estará, si está, mi viejo cassette del Agila que presté a un fulano y jamás me lo devolvió. Nos quedamos con las ganas del concierto de Cáceres cancelado en 2014. Y ahora atesoramos tu obra y tu vida como ejemplo de artista y de coherencia.

Hasta siempre Robe!!! Gracias por tanto. Te veo en mis recuerdos y te recupero en mi memoria.